Estrevista: Claudio Biern Boyd, fundador de la compañía de animación BRB Internacional.

Claudio Biern Boyd es licenciado en derecho y técnico de publicidad. Fue miembro fundador y vicepresidente de la Academia de Televisión. Fundó en 1972 la compañía BRB Internacional que empezó como agencia de merchandising y de gestión de derechos de populares series animadas extranjeras para al poco lanzarse a la producción de sus propias series de dibujos animados. Series que han sido éxitos y que son imperecederas. Series que han marcado a varias generaciones porque los guiones eran buenos y la animación también. Biern es el responsable de que un sábado del lejano año 1985 acabáramos niños y mayores con un nudo en el estómago y lágrimas en los ojos viendo el desenlace de la serie David el Gnomo. Algo perdonable por los cientos de buenas horas animadas que nos ha hecho pasar.

BRB Internacional sigue al pie del cañón produciendo series propias y licencias derivadas, usando las nuevas tecnologías. La compañía Screen 21, impulsada por él mismo, crea unas cinco series anuales. Han realizado largometrajes animados y ¡de imagen real! Actualmente se han introducido en los musicales teatrales con montajes que rememoran sus éxitos animados. Recientemente han colgado buena parte de su catalogo de series para ver gratuitamente en Internet.

Iniciamos la entrevista.

¿Qué series de dibujos te gustaban de joven?

TOM Y JERRY

En la España de los sesenta la animación se usaba más para el campo de la publicidad con los Estudios Moro a la cabeza. ¿Qué opinas de esta tradición que se ha perdido?

No se ha perdido, aún se utilizan con frecuencia (Danone, Cola- Cao, fabricantes de juguetes etc.)

¿Cómo te interesaste por el mundo de los dibujos animados y como llegaste a fundar tu compañía, todo un referente en este campo? Algo que tiene merito porque en alguna entrevista has mencionado que apenas sabes dibujar…

Siempre me habían atraído los dibujos y sobre todo el mundo infantil. (Tengo 6 hijos). Empecé como agente de Merchandising de productoras europeas y americanas. Luego distribuí series y por último decidí producir por mi cuenta.

Cuándo fundas tu compañía ya existía una muy veterana desde 1963, Estudios Cruz Delgado, artífices del primer éxito en una serie animada española: Don Quijote (1979). ¿Ahí ya sospechaste el éxito de animar grandes clásicos de la literatura universal?

Tenía que usar éxitos de la literatura Universal por dos motivos: 1) Porque de pequeño devoraba los libros de Julio Verne, Salgari, Zane Grey, Dumas y los tebeos españoles. 2) Porqué eran conocidos a nivel internacional. Y facilitaba su comercialización.

En los inicios distribuías series internacionales como la abeja Maya o El Bosque de Tallac… ¿Os esperabais el éxito de las mismas o os pillaron por sorpresa?

El Bosque de tallac. 1977

Sabíamos que serían éxitos porque venían de triunfar en otros países de Europa.

“Bola de Drac” fue una de las series más populares en Cataluña y durante muchos años no tuvo nada de merchandising. ¿Los derechos y licencias japonesas eran difíciles de adquirir antes y en la actualidad?

A los japoneses, como a todos, les gusta el dinero… osea…

Uno de los grandes recuerdos de chaval eran los álbumes de cromos de Danone. ¿Nos puedes hablar un poco sobre ellos? ¿Participabais de alguna manera en el producto o lo hacían empresas ajenas a la vuestra?

Fueron el gran impulsor del consumo de yogures en los hogares españoles. Lo hacíamos a través de terceros y se llegaron a fabricar millones de álbumes.

Tu primer logro animado llega en 1980 con “Ruy, el pequeño Cid” o las aventuras de Rodrigo Díaz de Vivar de niño. Una serie española y la primera de una larga colaboración con Nippon Animation. ¿Cómo se organizaba el trabajo de producción?

Muy difícil. No había ni fax (por supuesto no existía Internet, ni móviles, ni nada de nada). Sólo había Telex (teletipo) que no permitía mandar imágenes. Había que crear todo el material personajes, diseños, fondos, documentación, guiones, story-boards, etc… en España y tener personas con carácter fijo en el país de producción. Luego toda la post-producción en España.

Después vinieron las exitosas D´Artacan y los tres Mosqueperros (1982) y La vuelta al mundo de Willy Fog (1983). ¿Por qué el uso de personajes animales antropomorfos?

D´Artacan y los tres Mosqueperros. 1982

Son más simpáticos para los niños y más fáciles de animar.

¿Cuánto tiempo llevaba hacer una de estas series? ¿Cuántos profesionales trabajaban en ella?

Mínimo dos años. Unas 350 personas.

El año 1985 es especial para ti pues creas cierta serie (David el Gnomo) en una espera en un aeropuerto…

Al volver de viaje a Asia en la escala del avión en Ámsterdam vi el libro en el kiosco del Aeropuerto. Me atrajo tanto que lo compré (estaba en holandés) y de ahí vino lo demás.

En Wikipedia se afirma que para la versión americana de esta serie se tuvieron que rebajar los pechos de la mujer de David o quitar las escenas en que amamantaba a sus bebes. ¿Es cierto?

Se quitaron 3 escenas: a) Cuando Lisa amamanta a sus bebés, b) cuando un gnomo orina contra un árbol y c) cuando 2 gnomos jóvenes ordeñan las ubres de una vaca.

¿Nos puedes explicar algo sobre la creación de las sintonías de las series? Todo un éxito entre los chavales de entonces y un recuerdo mágico para los adultos de ahora.

Soy un gran aficionado a la música y especialmente al cine musical. Además los niños/as se quedan enseguida con la música. Contacté con grandes músicos: Guido y Mauricio de Angelis, Albert Hammond, Teo Carralda, etc..  E intérpretes: Mocedades, Marta Sánchez, etc.… Y consiguieron crear melodías que aún hoy en día se recuerdan y se cantan:

¿Y En relación al doblaje de vuestras series?

Con actores tan buenos nunca hubo el más mínimo problema.

¿Fue difícil competir en Europa y en el mundo a principios de los 80 con una empresa de animación para televisión establecida en España?

David el Gnomo. 1985

Pues mucho pero tuvimos suerte y acierto en las series que produjimos.

Algunos dibujantes de cómics mencionan que en los noventa hubo crisis en el 9º arte y muchos se pasaron a la animación. De hecho vuestro estudio realizo Mortadelo y Filemón (1994) y Zipi y Zape (2000) ¿Es difícil trasladar personajes de cómics a los dibujos animados captando su esencia? ¿Lees o te gustan los cómics?

Me encantaron, me encantan y me encantarán los comics. No es difícil pero hay que ser muy fiel al autor.

En estos años también hubo segundas partes de las series de D´Artacan o Willy Fog que no tuvieron tanta repercusión como sus predecesoras. ¿Tal vez el tipo de animación a lo D´Ocon Films tuvo algo que ver?

La animación era la misma que las primeras partes y fueron de mucho éxito de ventas ya que las emisoras que habían comprado la primera parte compraron la segunda.

¿Existe alguna idea, algún personaje o alguna serie que se haya quedado en el tintero a lo largo de todos estos años?

Sí, varias. Incluso alguna serie inició su producción pero no se llevó a cabo por falta de aceptación o financiación.

En la actualidad los niños crecen más rápido, están más estimulados y tienen menos paciencia. El ritmo pausado semanal de una serie ya casi no existe. Los cambios de las franjas horarias televisivas y la creación de los canales temáticos de dibujos animados han afectado, seguro, a la producción de dibujos animados para la televisión. Sin embargo pensamos que si alguna cadena potente le dedicase a una serie animada la franja horaria de las 3:30 los sábados y domingos podría lograr el éxito. ¿Qué piensas?

TOTALMENTE DE ACUERDO ¡!!!!!!!

Ahora más que nunca, vuestras producciones están dirigidas a una audiencia  mundial. ¿Es muy diferente hacer una serie para un niño de los 80 que para un niño del siglo XXI?

La vuelta al mundo de Willy Fog. 1983

Sí. El niño actual tiene a su disposición muchísima oferta para elegir: TV, consolas, móvil, Internet, etc.. y dentro de cada uno de estos medios de transmisión tiene decenas si no cientos de ofertas.

El lema de vuestro estudio ha sido “educar con la diversión y el entretenimiento y hacer felices a los niños”. Series didácticas de vuestro sello como “los Sabios” lo avalan. ¿Viendo la sociedad en la que vivimos y de la que poco a poco se va apropiando la generación a la que se dirigían las series de BRB Internacional en los años 80, crees que el objetivo educativo se ha conseguido también? ¿Faltan o ya no tiene cabida series didácticas?

Las emisoras comerciales quieren audiencia y el didactismo no les atrae.

Es indudable que en la actualidad los recursos y la calidad visual / técnica a la hora de crear series de dibujos animados han evolucionado mucho. Pero ¿crees que los contenidos de las series de dibujos animados han mejorado también?

Como hay muchas más producciones hay más mediocridad pero sigue habiendo series muy creativas.

¿Qué piensas de series como “South Park” o “Padre de Familia”?

En mi opinión son más para adultos que para niños.

¿En que situación está en la actualidad la industria animada televisiva en España? ¿A dónde se dirige?

Muy mal por falta de apoyo no solo institucional sino privado. Los canales temáticos para niños están en manos de empresas extranjeras que dan preferencia a sus series.

Sábado 3:30. El musical. 2011

Hoy en día una persona o un grupo con pocos medios puede montarse su serie animada, ahí tenemos el éxito en Internet de Calico Electrónico. Sin embargo han tenido que cerrar… ¿Internet ayuda o perjudica?

Creo que Internet ayuda mucho a que gente con pocos medios pueda desarrollar su profesionalidad que de otra manera no podría.

En los últimos años habéis apostado también por transportar la magia de vuestras series a los escenarios. ¿Cómo surgió la idea? ¿Cuál ha sido el resultado de esta experiencia teatral?

Por mi afición a los musicales. La experiencia ha sido positiva a nivel personal ya que he conocido un mundo distinto y he estado en contacto directo con los padres y los hijos. A nivel económico no tanto.

¿Qué serie animada es la que ha aportado más beneficios económicos a BRB Internacional y cuál es tu favorita?

David el Gnomo la más exitosa. Y como digo siempre mi favorita es la que estamos produciendo ahora.

¿Nos puedes adelantar algún nuevo proyecto?

Largometrajes para cine de BERNI y D’ARTACAN.

Qué puedes decir brevemente de los siguientes directores de animación:
CHUCK JONES: Creativo al máximo y divertidísimo.
HANNA BARBERA: Los conocí a los dos personalmente y a sus mujeres (todos grandes personas). Grandes dibujantes y creativos. Sorprendidos por su éxito
TEX AVERY: Creatividad U.S.A.
WALT DISNEY: El primero y único.

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Entrevista realizada por: Culturalia y El Rincón del Taradete.

El disc de La Marató de TV3

 

Ens apropem a les festes nadalenques i, un any més, rebrem infinitats de missatges apel·lant a la nostra solidaritat envers els altres. Aquest any, però, no serà fàcil que ens hi involucrem massa, ja que la crisi afecta a tothom, així que probablement ens ho pensarem dues vegades a l’hora de fer qualsevol donatiu. Amb tot, de vegades una petita aportació econòmica pot quedar compensada amb una bona contraprestació, com succeeix amb La Marató de TV3, enguany dedicada a la regeneració i el transplantament d’òrgans i teixits, que el dia 11 de desembre posarà a la venda el disc de versions que ha preparat per aquesta edició.

Aquest any el disc de La Marató serà especial ja que, per celebrar l’edició número vint del programa, els seus responsables han decidit que s’hi incloguin un total de vint cançons, totes elles conegudíssimes i d’estils tan diferents com l’òpera, el pop, la rumba, la cançó tradicional i fins i tot una balada heavy, temes que interpreten en català alguns dels músics més interessants de l’escena catalana, a qui s’hi han afegit alguns artistes de fora de les nostres fronteres.

La banda sonora de l’anunci de La Marató d’enguany és “Em dónes força” (“You raise me up”, del baríton nord-americà Josh Groban), interpretada per Sergio Dalma, a qui acompanyen l’Escolania de Montserrat i la Capella de Música de Montserrat. Al CD també hi trobem cantants pop que canten en català per primera vegada, com Malú (que transforma la mítica “The show must go on” en “No tinguis por”), Ana Torroja (“Per sempre més”, versió de “Forever young”) o Melendi (qui fa seva una cançó de Cyndi Lauper amb el títol “Ulls dolços”).

Imatge dels artistes que col·laboren al disc

També hi ha lloc per a grups joves i cantants poc coneguts pel gran públic. Entre els primers trobem els Teràpia de Shock, grup revelació de la temporada gràcies a la banda sonora de “Polseres vermelles” i que aquí interpreten una cançó d’El Canto del Loco (“Em quedo al teu costat”), La Pegatina, que posen la seva rumba descarada al servei de “Love is in the air”, La Iaia, que recorden John Lennon amb el tema “Una altra vegada”, i The Pepper Pots, autors d’una de les millors versions d’aquest treball, la de la lluminosa “Sunny” de Bobby Hebb. El disc permet descobrir intèrprets menys mediàtics com Èric Vinaixa (“La clau de tots ets tu”), Nia (“Sentir l’eternitat”), Lidia Guevara (“Ho faig per tu”) i Joan Masdeu en la seva nova faceta en solitari (“Tot el que tinc”).

En aquest treball també s’hi inclouen uns duets ben especials, com el que formen Momo Ballesteros i Sergi Albert per interpretar un dels passatges més coneguts de l’òpera “La traviata”, o el del músic d’Alella Narcís Perich amb els lleidatans Hewel per cantar un tema de Marshall Crenshaw (“Someday, someway”, que han traduït per “Com et puc ajudar?”). Altres curiositats d’aquest CD són l’adaptació als sons cubans de “Time after time”, de Cyndi Lauper, que han fet els Salsa de Reyes, o la cançó col·lectiva “Teixit humà” que Marc Parrot ha realitzat amb les set-centes lletres que ha rebut per a l’ocasió. Finalment els Always Drinking Marching Band s’encarreguen d’interpretar la “Sintonia de la Marató”.

A més els responsables d’aquest disc l’han encertat plenament amb la inclusió de dues joies de la música catalana actual: per un costat hi trobem una versió de la conegudíssima balada “More than words”, dels Extreme, que aquí es titula “Més que paraules” i la interpreta la joveníssima Andrea Motis (acompanyada pel Joan Chamorro Group), una de les veus més espectaculars i increïbles del jazz fet al nostre país amb només disset anys; d’altra banda Sílvia Pérez Cruz s’ha consolidat en l’escena del país com una veu inclassificable, amb un talent insòlit per emocionar a aquells que l’escolten, capaç d’interpretar amb la mateixa facilitat boleros, jazz, flamenc fusió, fados,… Pérez Cruz canta “Plora amb mi”, versió que unifica tres cançons en una (“Per tu ploro”, “L’hereu Riera” i “El testament d’Amèlia”).

La cirereta d’aquest extraordinari pastís, i una de les curiositats més interessants del CD, és la versió en català de “I say a little prayer” que canta Raphael (“Tinc un pensament per a tu”) amb La Principal de la Bisbal i The Gospel Viu Choir, un artista que no va dubtar ni un instant a col·laborar en aquesta edició de La Marató ja que ell mateix va superar una delicada operació: es va haver de sotmetre a un transplantament del qual ja està totalment recuperat.

A la nostra memòria queda molt lluny aquell 19 de desembre de 1992, la data en què es va celebrar la primera edició de La Marató de TV3. Poc es podien imaginar els seus responsables que, vint anys després, aquell fenomen televisiu, nascut al mateix temps que altres telemaratons de l’estat que avui ja són història, s’hauria consolidat de tal manera que es consideraria una tradició més en les jornades prèvies al Nadal de la societat catalana. L’objectiu de La Marató de TV3 ha estat sempre recaptar diners per emprar-los en investigar les malalties que afecten la societat i, en aquesta ocasió, el 18 de desembre dedicaran els seus esforços en la regeneració i trasplantament d’òrgans i teixits sota el lema “Quan acaba una vida, en comencen sis”.

Produït de forma conjunta per Marc Parrot, els germans Toni i Txasqui Ten i Jordi Cubino, el disc de La Marató es podrà adquirir només el proper 11 de desembre amb qualsevol edició dels diaris catalans, un disc extraordinari de versions que té el simbòlic preu de 9 €.

Més informació: www.tv3.cat/marato/disc

Crítica literaria: Dexter. Ética y estética de un asesino en serie, editorial Laertes.

«Me llamo Dexter. Dexter Morgan. No sé lo que me hizo ser como soy, pero lo que fuera, me dejó un gran vacío dentro».

Vaya, de antemano, mi prudencia ante ensayos dedicados a series de TV que todavía no han finalizado. El pretender hacer análisis de un producto que sigue en plena producción (en el caso que nos ocupa, parece que con intención de que dure más de lo previsto cuando se preparaba el libro) y, en especial, tratándose de un protagonista tan complejo como Dexter Morgan, que todavía, en su desarrollo, puede dar más de una sorpresa, no sólo deja el volumen inconcluso, sino que podría llegar a contradecir muchas de las ideas que se vierten en los diferentes textos que lo componen. Quedan advertidos los lectores: el libro abarca hasta el final de la cuarta temporada y, por lo que se intuye, parece que fue el asombroso cliffhanger con el que finaliza lo que motivó la urgencia en elaborar el estudio. Sólo así se explica la reiterada y entusiasta (hasta la extenuación) mención a ese final en casi todos los textos recogidos en él.

Por si quedara alguien que no conoce la serie, recordemos que se trata de una adaptación (directa, al menos en su primera temporada) de las novelas firmadas por Jeff Lindsay y protagonizadas por Dexter Morgan, analista de sangre en el Departamento de Homicidios de la Policía Metropolitana de Miami, quien mantiene una doble vida: durante la noche ejerce como asesino en serie, liquidando de manera ritual a los criminales que han quedado impunes. En definitiva, un justiciero con trastornos psicopatológicos. La serie televisiva se ha convertido en uno de los grandes éxitos de los últimos años y ha generado un intenso debate por la afinidad que los espectadores pueden llegar a sentir por el protagonista.

El libro editado por Patricia Trapero Llobera, en el que intervienen expertos en Comunicación, Psicología, Bellas Artes, Historia del Arte…, vendría a ser una adaptación para los lectores españoles del volumen “Dexter”: Investigating Cutting Edge Television (citado en la bibliografía), en el que Douglas L. Howard recogía las tesis de varios especialistas. Si en aquél caso eran dieciséis los capítulos, en el publicado por Laertes nos encontramos con diez escritos en los que se abordan diferentes aspectos de la serie, así como se fundamentan otros matices como la interpretación, el retrato-tipo femenino, el entorno geográfico y social, etc.

En el prólogo de José-Igor Prieto Arranz se resume eficazmente lo que vamos a encontrar a posteriori. Aborda en él todas las caras del poliedro que permite tener una visión global del contenido y el continente de la serie. Y, en efecto, se cubren las principales cuestiones que pueden dar sentido a un trabajo ambicioso elaborado como reflejo de lo que representa la ficción televisiva actual. Desde los diferentes caminos que ha seguido la saga literaria respecto a la audiovisual; la repercusión nacional (a través del canal de cable Showtime) e internacional; la controversia que produce el considerar como héroe a un brutal asesino; la influencia de internet; el bilingüismo del producto y su dificil adaptación en la versión doblada; las características de los psicópatas rivales de Dexter… Pero, de entre todos los trabajos incluidos, me han gustado tres que marcan la diferencia.

El primero, dedicado al trabajo actoral y a la manera en que se debe interpretar a un psicópata. Curiosamente, Martín B. Fons Sastre, su autor, no estudia el personaje tan magníficamente interpretado por Michael C. Hall. Se detiene, al contrario, en John Lithgow, quien borda el de Arthur Mitchell/Trinity. Fons Sastre dignifica el trabajo del actor, analizando con detalle el duro desempeño que se debe realizar para personificar con detalle y sin caer en el estereotipo (si es que un psicópata puede enmarcarse en alguno) a alguien tan complejo.

También es interesante el estudio científico desarrollado por Jaume Rosselló Mir y Xavier Revert Vidal en el que clarifican los cuadros clínicos de las diferentes tipologías de psicópatas, algo que va más allá de la ficción y que apoya la veracidad del estudio pormenorizado que, seguro, han realizado los creadores de la serie. Esta pequeña guía, basada principalmente en los trabajos del célebre doctor Hervey Cleckley, resume muchos años de investigación sobre tan peliagudo asunto.

Jordi Pallarés Olivé nos deja, por último, una acertada visión de Dexter Morgan desde el punto de vista del superhéroe, faceta que queda remarcada en la segunda temporada con el personaje de The Dark Defender, pero que no ha sido explotada en la producción, aunque los espectadores puedan ver al forense como a un héroe justiciero.

Sin embargo, y ahora vienen los “peros”, en su conjunto se detecta una continua repetición de ideas y de referencias que cansa al lector. Es correcto explicar las bases argumentales de la serie, pero hacerlo en casi la totalidad de la obra, una y otra vez, cuando se complementa con una guía de episodios, llega a molestar. Quizás un poco más de coordinación para que cada autor se limitara a lo concreto de su tema no produciría ese “frenazo” en la lectura, releyendo lo que otros ya han expuesto. Lo mismo sucede con el mencionado cliffhanger de la cuarta temporada, citado hasta la saciedad, que hace pensar en ese “entusiasmo” que sintieron los espectadores al verse sorprendidos de manera tan espeluznante, y que pudo desembocar en el proyecto del libro. Si añadimos las insuficiencias de la corrección ortotipográfica, cada día más descuidada en las ediciones españolas (¿ni siquiera se utiliza el corrector de word?) y errores como los localizados en el texto de Anna Tous Rovirosa, en los que ubica a personajes o sucesos en una temporada diferente a la correcta para luego contradecirse, concluiremos que un estudio que se pretende de referencia debió pulirse al detalle. Sin olvidar, por supuesto, lo comentado más arriba: Se está analizando un producto cuya producción y desarrollo sigue en marcha, dando la impresión de que el libro, a su vez, está inacabado.

Título: Dexter. Ética y estética de un asesino en serie
Autores: Patricia Trapero Llobera (ed.) y VV.AA.
Editorial: Laertes
Materia: Comunicación audiovisual
Páginas: 302
Formato: 23 x 16
Edición: Noviembre 2010
Precio: 19,50 €
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Escrito por: José A. Muñoz

Un programa per a tothom: Òpera en texans, de Ramon Gener

Aquesta tardor, Televisió de Catalunya s’ha proposat apropar el món de l’òpera, sovint elitista, a tota mena de públic amb el programa Òpera en texans, un espai de tan sols mitja hora de duració amb què pretén fer-nos un petit tast de les obres més significatives de la història, explicant-nos els secrets de cadascuna d’elles per, així, despertar en nosaltres l’interès per l’anomenat bel canto.

Per aconseguir el seu objectiu, Televisió de Catalunya ha confiat el projecte al baríton i pianista Ramon Gener, i, des del primer instant, Gener, home amb una poderosa ànima divulgativa, demostra que la seva elecció ha estat la més adient, ja que destaca per la passió i la simpatia que hi posa en cada moment, en cada explicació.

Ramon Gener

L’estrena del programa va esdevenir el passat 2 d’octubre, i es podrà seguir cada diumenge dins de l’esplèndida programació cultural del Canal 33, a partir de les 22.30 hores. L’encert d’aquest primer capítol va ser escollir una de les òperes més conegudes per tothom, entesos i profans, per, d’aquesta manera, aconseguir no espantar ningú des del primer dia: Carmen, de Georges Bizet, segurament l’òpera francesa de més èxit, un espectacle que va viure la seva primera representació el 3 de març de 1875, una història on la protagonista és una autèntica femme fatal, una dona provocativa que esdevé la perdició de tots els homes que tenen la desgràcia de creuar-se en el seu camí.

El programa dedicat a Carmen va començar, fugint de qualsevol mena de vergonya, plantant un piano a la mateixa Plaça de Catalunya de Barcelona, on el mateix Ramon Gener, envoltat de curiosos de tot tipus –el públic potencial de l’espai, ja que per gaudir d’aquest estil musical no hi ha cap límit d’edat–, comença a tocar melodies que, qui més qui menys, tothom ha escoltat alguna vegada, demostrant que en el nostre imaginari tenim més cançons d’òpera de les que creiem. A partir d’aquest moment, Gener es guanya el públic amb les seves anècdotes i la seva facilitat a l’hora de comunicar, fent que l’escena recordi una excursió amb el mestre envoltat d’alumnes embadalits.

Tot seguit, el programa ens mostra fragments de l’òpera interpretats per tres mezzosopranos diferents; d’aquesta manera, aquells que no coneixem gaire d’aquest món podrem descobrir el talent de les cantants Anna Caterina Antonacci, Béatrice Uria Monzon i Elina Garanca, intèrprets, totes elles, que en algun moment de la seva carrera han defensat amb encert el fogós personatge de Carmen.

El programa cuida fins al més petit dels detalls; així, per explicar-nos perquè ens fascina tant un personatge com la protagonista d’aquesta òpera, a estones cruel amb els seus pretendents, Òpera en texans es reuneix amb un especialista de la parella en el millor lloc possible: l’hotel 1898, antiga seu de la companyia de cigars, un lloc similar al que Carmen, cigarrera de professió, acudia a treballar.

Finalment, aquest capítol acaba amb algunes anècdotes sobre les primeres representacions de l’òpera, amb imatges intercalades de la versió que Calixto Bieito va presentar al Liceu; d’aquesta manera, sabrem que la primera protagonista, en una de les escenes, va tenir una premonició: la mort de Georges Bizet. Aquella mateixa nit, el 2 de juny de 1875, moria Bizet, sense haver pogut gaudir de la fama que Carmen acabaria tenint.

L’emoció amb què Ramon Gener parla d’òpera, l’interès vers un estil musical poc conegut pel gran públic, despullat aquí de qualsevol cotilla i mostrat de forma informal, i l’originalitat a l’hora de presentar algunes versions per part de cantants d’altres disciplines (en el primer capítol, Maika Makovski va fer una magnífica interpretació d’un dels temes de Carmen) avalen Òpera en texans, una producció de Televisió de Catalunya i Brutal Media dirigida per Xavier Morral que esdevindrà una de les sorpreses més agradables de la temporada televisiva, a més de ser un fantàstic manual d’instruccions per poder entendre l’òpera. Per aquest motiu, després del programa dedicat a la tràgica història de Carmen, Gener i els seus analitzaran Don Giovanni, Il trovatore, Parsifal, El barber de Sevilla i Turandot, entre d’altres espectacles.

 

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Escrit per: Robert Martínez Colomé

 

 

Zoom, Festival Europeo de Cine para Televisión, Igualada del 2 al 6 de noviembre.

Del 2 al 6 de noviembre tendrá lugar en Igualada la novena edición de Zoom, Festival Europeo de Cine para Televisión, que incluirá este año miniseries y series españolas en la sección oficial a concurso.

Zoom, Festival Europeo de Cine para Televisión, es el único festival del Estado español dedicado a reconocer el cine para televisión. Nació en el año 2003 con el objetivo de potenciar y dar a conocer la producción audiovisual que se hace en Europa, poniendo especial atención en los largometrajes de ficción televisiva.

El festival, pionero en su categoría, otorga un total de 5.000 € en premios a las tvmovies a concurso. Los premios que se entregan son: Premio Zoom a la Mejor Película para TV, con una dotación económica de 3.500€, y el Premio a la Mejor Miniserie con una dotación económica de 1.500€, los dos premios los otorga el Jurado oficial.

Zoom otorga también cuatro premios sin dotación económica que son el Premio al Mejor Director, el Premio al Mejor Guión, el Premio Zoom a la Mejor Película para TV que concede el Jurado Joven (compuesto por estudiantes de diferentes institutos de Igualada y presidido por un profesional del mundo audiovisual) y el Premio de la Crítica, compuesto por profesionales del mundo de la comunicación, que decide cuál es la mejor serie de televisión española producida en la temporada 2010-2011.

La Sección Oficial este año incorpora como novedad el Premio a la Mejor Miniserie española. Además, el festival entrega también los Premios a la Trayectoria Profesional a dos personalidades del panorama audiovisual y a una productora; el Premio “Tú eres la tele”, a un personaje o programa que haya marcado la vida de los espectadores y el Premio Auguri Sita Murt, a una joven promesa de la interpretación femenina.

Entre las 46 producciones que han llegado de Francia, Holanda, Alemania y España, la organización seleccionará las ocho que competirán en la Sección Oficial de la novena edición del festival, que se celebra en Igualada entre el 2 y el 6 de noviembre.

A parte de las proyecciones, la programación del festival la completan charlas, fórums y encuentros entre profesionales, actividades para escuelas y toda una serie de actividades paralelas que se irán anunciando a medida que se acerquen las fechas del certamen.

El festival apuesta por esta disciplina tan singular y única porque tiene poca presencia en la gran pantalla. El cine para televisión tiene poca difusión debido a que una vez los films se emiten por antena, tienen poco recorrido y raramente se trasladan al cine. Zoom Festival tiene por tanto, como uno de sus principales objetivos, el de dar vida y trayectoria a estas producciones audiovisuales, dándolas a conocer y exhibiéndolas en la gran pantalla.

El certamen quiere favorecer también el intercambio entre profesionales del mundo audiovisual europeo. Por ello se programan paralelamente una serie de actividades que fomentan las relaciones profesionales. Otro de los objetivos del festival es dinamizar la oferta cultural de la comarca de Anoia y convertir su capital, Igualada, en el punto de referencia del audiovisual catalán y europeo.

El Festival Zoom es una iniciativa y producción de Deverité Produccions, organizado desde el Ateneu Igualadí y cuenta con el patrocinio oficinal de Unnim, y la ayuda de del ICIC de la Generalitat de Catalunya, el Ajuntament d’Igualada y el Consell Comarcal de l’Anoia y la colaboración de empresas privadas de la ciudad de Igualada.

MÁS INFORMACIÓN FESTIVAL
Entradas:
Sección Oficial: 3 euros
Acto de Inauguración: 3 euros
Gala de Clausura: 3 euros

Resto de Sesiones y actividades: entrada libre

Las entradas se pueden adquirir en las taquillas del Ateneu Igualadí, a partir de una hora antes del inicio de cada sesión

Más información: www.zoomigualada.org

Crítica televisiva: Hijos de la Anarquía.

Hace ya algunos años que las televisiones de nuestro país nos ofrecen las mejores historias que se realizan en EE.UU., pero ya no se trata precisamente de las películas made in Hollywood, no: las buenas ideas, los buenos guiones, algunos de los mejores actores, han encontrado su lugar en las magníficas series que se están cociendo al otro lado del Atlántico. Productos tan elaborados y elegantes como Mad men, El ala oeste de la Casa Blanca, 24 o, un poco más lejos, Los Soprano, han seducido a una amplia mayoría de público que, ávido de buenos argumentos, ha terminado por sucumbir al adictivo mundo de las teleseries norteamericanas.

Próximamente Cuatro ofrecerá en abierto (ya se ha emitido en FOX) la primera temporada de una de esas fascinantes historias: Hijos de la Anarquía (Sons of Anarchy en su versión original), la historia de un club de moteros situado en un pueblo del norte de California (la ficticia Charming, concretamente) que vive al margen de la Ley, una asociación que protege a la población de las amenazas externas, y que tiene como sede el taller Teller-Morrow, aunque éste no es más que la tapadera de la que realmente es su ocupación: el tráfico de armas, en un relato que sería la mezcla perfecta de El padrino, Easy Rider, batallas entre bandas que recuerdan a Quadrophenia y pinceladas del mejor Shakespeare, todo ello aderezado con un poco de rock sureño.

La trama gira, principalmente, entorno a tres personajes: el matrimonio formado por Clay y Gemma Morrow y el hijo de ésta con su difunto marido, Jax. La historia arranca cuando el almacén donde la banda guarda las armas antes de venderlas es saqueado e incendiado por Los Mayas, rivales de Los Hijos de la Anarquía, toda una declaración de guerra que los moteros no permitirán que quede impune. La sed de venganza de Los Hijos de la Anarquía y la ilegal forma de financiación de la banda que capitanea el presidente Clay chocarán con las intenciones del joven Jax, a quien un manuscrito de su padre, John Teller (fundador del grupo), le hará recapacitar sobre el destino del grupo y la necesidad de virar el rumbo hacia negocios menos turbios.

Ésta es una historia compleja de rudos moteros tatuados hasta las cejas (todos los miembros del clan lucen en su espalda el icono del club, la muerte con una guadaña ensangrentada y empuñando un fusil), de pasión por las Harleys customizadas, de policías corruptos, de hombres de honor, de traiciones y venganzas, de conflictos entre bandas, contactos con el IRA, contrabando de armas, prostitución y drogas. Kurt Sutter, creador de esta espléndida historia, podría haber construido toda una apología de la violencia, recreándose en ella y dotándola incluso de una pátina de glamour que maravillara a los espectadores menos exigentes, pero Hijos de la Anarquía no está pensada para ello, o al menos no de forma específica: la cámara tan sólo muestra escenas de violencia explícita en contadas ocasiones; además, ya desde el primer capítulo empatizamos con sus personajes, aunque no por la supuesta vistosidad de su estilo de vida, ni por sus negocios fuera de la ley, sino que lo hacemos porque se trata de personajes que, a parte de sus enfrentamientos con las otras bandas, también tienen que hacer frente a sus problemas diarios, unos problemas que nada tienen que ver con la delincuencia, como los de Jax, cuyo hijo nace de forma prematura, y con una malformación cardiovascular congénita, por culpa de las adicciones de su esposa, adicta al crack.

El clan se estructura de forma piramidal, con un presidente, Clay Morrow, y un vicepresidente, Jax Teller, a los que siguen el resto del grupo, hasta un total de siete moteros, sin contar con las filiales repartidas por el país ni los miembros encarcelados. Cualquier decisión debe ser aprobada en asamblea, con todos los miembros reunidos alrededor de una preciosa mesa tallada con el icono del club, una forma de actuar democrática y perfecta, hasta que las disputas por el poder entre el presidente y el vicepresidente se agraven y fragmenten el grupo en dos.

Sutter insiste en que, desde un principio, su idea era la de crear una historia bajo la influencia de la literatura de William Shakespeare, y lo cierto es que es fácil reconocer algunos puntos en común con el mundo del magnífico escritor inglés. La misma estructura del grupo (con un presidente y un vicepresidente al que siguen sus fieles compañeros de viaje) hace pensar en un rey y su sucesor al que deben fidelidad sus caballeros, algo que encontramos en cualquier texto de Shakespeare. Además, el paralelismo con Hamlet es evidente: por un lado, Jax Teller podría ser el Príncipe Hamlet, ambos desorientados tras la muerte de sus respectivos padres (asimismo, la figura paternal está presente en todo momento, como espíritu en la obra de Shakespeare, aquí en forma del manuscrito encontrado por Jax), mientras que Clay y Gemma serían, respectivamente, el rey Claudio y Gertrudis. Finalmente, una de las formas de resolver pequeños problemas en el grupo es preparar una gran cena en común, como los banquetes que tanto le gustaban describir al inglés en sus historias.

Hijos de la Anarquía es una obra coral (hasta diez son los actores que forman la banda), y para dar mayor credibilidad a sus argumentos, sus responsables optaron por contar con unos actores apenas conocidos para el gran público (sobre todo en nuestro país), todo un acierto a tenor de los resultados. Así, encabezando el reparto encontramos a Ron Perlman (recordado por su papel de monje en El nombre de la Rosa) y Charlie Hunnam, encargados de dar verosimilitud a Clay Morrow y Jax Teller, respectivamente. Ambos salen airosos del reto que supone defender unos complejos personajes, logrando unas actuaciones sobrias y convincentes. Pero sin duda, el personaje más fascinante de todos es el de Gemma Morrow, papel que recae en Katey Sagal, un personaje poliédrico y manipulador, con muchos matices, tan pronto se muestra como una mujer fuerte y manipuladora, como se vuelve frágil e insegura; sea como sea, es el eje alrededor del cual se vertebra el grupo, algo que se confirmará en la segunda temporada.

En la actualidad, en EEUU se está emitiendo la tercera temporada de Hijos de la Anarquía, mientras que en nuestro país, a la espera de su estreno en abierto, están a la venta las dos primeras temporadas, un material que resulta altamente adictivo.

Título: Hijos de la Anarquía / Sons of Anarchy
Director: Kurt Sutter
Intérpretes: Ron Perlman, Charlie Hunnam, Katey Sagal, Maggie Siff, Kim Coates
País: EE. UU.
Duración: 13 capítulos (1ª temporada), 13 capítulos (2ª temporada)

Escrito por: Robert Martínez Colomé.

Crítica televisiva: Hispania, la leyenda. Capítulo noveno, La batalla final.

Después de nueve entregas de Hispania la leyenda llegamos al desenlace de la primera temporada de la serie con un episodio que consiguió reunir a 3.376.000 espectadores delante del televisor y del que vamos a pasar, a continuación, a resumir su argumento.

Ha sido en el campamento romano donde se ha centrado gran parte de la trama de este capítulo. Si bien creíamos que Marco había sido envenenado por Galba nos hemos dado cuenta de que tan solo había sido adormilado por el pretor, que ha pretendido castigarle a él y a su mujer Claudia a lo largo del capítulo por su traición. La entrega de Viriato por parte de Cesáreo con el objetivo de éste de recuperar a su hijo Darío, ha permitido que casi todos los rebeldes se concentraran, en contra de su voluntad, en el campamento legionario.

Cuando todo parecía perdido para la causa indígena, Viriato apresado y torturado, Sandro y Paulo encarcelados y Héctor crucificado, las tropas lusitanas (que no hispanas!!) se han concentrado para atacar al ejército romano, lideradas por Cesáreo y el resto de caudillos lusitanos. En el interior del campamento la acción no ha cesado en ningún momento: enfrentamientos gladiatoriales entre los cautivos lusitanos, intentos de asesinato, torturas al fiel Marco y por fin, casi en el último momento, la rebelión de la legión en contra de Galba y a favor de su general.

Todo estaba preparado para que se produjera el enfrentamiento final (de la temporada) entre romanos y lusitanos que se ha llevado a cabo en dos escenarios. Mientras que el grueso de la lucha se ha producido en el campo de batalla, un pequeño grupo de lusitanos ha liberado a Viriato y a sus hombres. La victoria final ha sido para el bando lusitano y se ha conseguido gracias a una astuta táctica militar de los indígenas y tras la llegada al campo de batalla de Viriato con el estandarte de la legión, prueba de que el campamento romano había sido tomado y de la muerte del propio Galba.

El intento de asesinato de Galba

Como podemos observar en este último capitulo de la temporada la tensión ha incrementado por momentos centrándose en los preparativos militares del enfrentamiento entre lusitanos y romanos. La ocasión no ha sido la mejor para estos últimos, ya que en el campamento romano se ha producido una rebelión en contra del pretor y general Galba, como sabemos ya, un hecho algo común en la larga historia romana. Es así, que mediando un conflicto interno en la legión, no podía ser, ni mucho menos, el mejor momento para enfrentarse con el enemigo. La sedición se ha producido, además, en el momento en el que los soldados han sido testigos de la humillación de Marco, su oficial superior.

En el apartado más dramático he de alzar una crítica airada ante la rápida recuperación tanto de Marco como de Viriato tras las torturas de las que han sido objeto. O son superhombres o es un nuevo “error” el hecho de que después de haber sufrido una cruel y dura tortura ambos se hayan recuperado apresuradamente de sus heridas, que hubieran acabado, sin duda, con la vida de más de un hombre.

Ha sido interesante ver como se ha organizado una especie de combate de gladiadores entre los cautivos lusitanos en el campamento legionario. Un elemento tan característico de la cultura romana que hemos visto en diversas películas ambientadas en la antigüedad. Una escena parecida se puede ver en Espartaco, de Stanley Kubrick (1960), en la que los gladiadores rebelados hacen combatir entre ellos a dos senadores “capturados” como venganza ante el estado de esclavitud al que se habían visto sometidos. En la serie el enfrentamiento gladiatorial está organizado como espectáculo para levantar la moral de las tropas en horas bajas tras la detención y atropello del general Marco.

Pasaremos ahora a considerar un poco más detenidamente el enfrentamiento armado entre romanos y lusitanos que, y como viene siendo habitual en el “cine de romanos” al uso, no se ha plasmado de la forma más correcta en el aspecto histórico. Una batalla en la Antigüedad no es, como estamos acostumbrados a ver, un tumulto alocado en el que millares de soldados, sin orden alguno, luchen en combates singulares y fuera de formación, como hemos visto en el capítulo del martes pasado. Al contrario, el éxito o el fracaso de un ejército radicaba, las más de las veces, en el mantenimiento de las formaciones cerradas de hombres (legiones, cohortes, manípulos) durante el choque armado, por lo cual tan solo se luchaba entre las primeras líneas de ataque de ambos ejércitos y no de la forma desparramada que hemos visto en la reconstrucción de Hispania, en la cual aunque el ejército romano si que estaba ordenado inicialmente en el campo de batalla, el lusitano no, lo que ha llevado, en el momento del choque, a un desperdigamiento militar en el que las líneas y las formaciones se han acabado diluyendo hasta su total desaparición. Es sabido, que la reconstrucción histórica de una batalla es difícil y compleja, y no daría lugar a los “heroicos” combates personales que hemos visto protagonizados por Darío, Paulo o Sandro. Aunque no estaría mal que en alguna ocasión se intentara mostrar de una forma algo más correcta e histórica un enfrentamiento de este tipo, que daría a la película, documental o capítulo una solidez “histórica” desconocida en el género. De nuevo una pena!!

La derrota romana

Más ridícula ha sido la entrada de Viriato en escena a caballo portando el estandarte de la legión, hecho que ha “paralizado” la batalla. Algo insólito e increíble en un momento en que millares de hombres están luchando. Si un caso la llegada de Viriato con la insignia romana podría provocar miedo en los soldados enemigos, los cuales, como pasó en muchas ocasiones, podían huir, entonces, del campo de batalla, momento aprovechado, normalmente, por el ejército vencedor para perseguir y diezmar al enemigo. Pero la llegada de Viriato no puede paralizar a unos rivales que, por lo que hemos ido viendo a lo largo de las diferentes entregas de la serie, se odian y desprecian ampliamente. El único aspecto “histórico” de esta escena es la importancia que los legionarios romanos daban a sus insignias y estandartes militares a los que se rendía un culto casi divino, y que representaba casi un icono sagrado para la supervivencia de la legión.

Como podemos ver, aunque la tensión dramática del episodio ha ido creciendo a lo largo del mismo, dirigiéndonos hacia un desenlace inesperado por todos, la corrección histórica del mismo ha seguido las huellas de las entregas anteriores, primando la trama argumental sobre la veracidad. Hecho que podemos comprobar en uno de los diálogos finales del episodio, en el que un lusitano indica a Darío y los suyos que Cartago ha sido tomada por los romanos, lo que hace prever, en próximas entregas, que la presencia militar romana en la península Ibérica ha de incrementar, quedando libre el Senado romano de enviar legiones a África.

Pues bien, ese comentario solo puede hacer referencia a la toma y destrucción de la ciudad de Cartago por parte del ejército romano en el año 148 a.C. Sin embargo la historia nos dice que Galba fue nombrado gobernador en Hispania Ulterior durante los años 151 y 150 a.C. y regresó a Roma en el año 149 a.C., donde fue acusado ante el Senado por sus actos de gobierno en la provincia. Así, pues, como la mala noticia llegada de África para los pobres lusitanos es anunciada poco después de que Galba sea acuchillado por su mujer Claudia en el campamento romano y dado por muerto, aunque verdaderamente no lo esté, y el pretor aún está en Hispania (es decir, al final de su mandato, o lo que es lo mismo, a finales del 150 a.C.) podemos observar como la caída de Cartago se ha avanzado dos años en la historia. Todo un alarde para los guionistas de la serie!!

Tendremos que esperar algunos meses para ver nuevos capítulos de Hispania la leyenda, ya que como decía al inicio de esta reseña, la novena era la última entrega de esta primera temporada. Así, pues, para acabar este breve análisis haré mención de una de las frases más acertadas e históricas que se han pronunciado en este capítulo, y que no es otra que la que le dice Marco a Viriato antes de la batalla final arriba mencionada: “Roma no se irá de estas tierras”. Y no lo hizo, y por ello Roma formó parte, a partir de entonces, de la historia de España y forma parte, de una manera u otra, en nuestro día a día, ya que el legado romano es parte de la base de nuestra civilización, con todo lo bueno y todo lo malo que esto conlleve.

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica televisiva: Hispania, la leyenda. Capítulo octavo. La derrota.

El pasado miércoles 15 de diciembre Antena3 programó el último capítulo de este año (2010) de la serie Hispania la leyenda, que obtuvo el 24,1 % de la audiencia en el momento de su emisión, o lo que es lo mismo, 4.145.000 espectadores, que no es poco.

Sin embargo si que es poco lo que podemos comentar del capítulo en particular, ya que la mayoría de las subtramas iniciadas en entregas anteriores no han hecho más que seguir su evolución propia, sin aportar, eso sí, demasiadas novedades o cambios. Eso no significa que la tensión de la historia haya decrecido lo más mínimo, y el siguiente resumen nos lo mostrará.

En el campamento romano la situación entre Galba, su mujer Claudia y el legado Marco ha llegado a su clímax (casi) final, intentando la patricia asesinar a su marido con la ayuda de su amante y de su esclava Sabina. Un intento que, felizmente para Galba, no ha acabado en éxito. A esta actividad conspirativa se ha sumado, al final, una victoria romana sobre los hombres de Viriato, en la que han muerto o han sido hechos prisioneros todos sus seguidores, a excepción del propio Viriato. El golpe militar ha sido enorme, lo que ha obligado al rebelde a contactar con Césaro y el resto de régulos y caudillos lusitanos para organizar una acción militar conjunta contra las tropas de ocupación romanas.

Poco más es lo que se ha avanzado en la trama: Helena ha seguido mintiendo a su padre y a Alejo, su prometido, haciéndose pasar por una hija solicita y sumisa para ayudar a Viriato y a sus rebeldes, y los cautivos hispanos han sido encarcelados en la tienda de prisioneros del campamento romano de la que han intentado, o mejor dicho, intentan escapar. La única novedad ha sido el anuncio de la posibilidad de que la hija de Viriato, que se pensaba hasta ahora que había muerto en la matanza perpetrada por Galba, siga aún con vida en Roma, como esclava del hijo del pretor.

La crucifixión de algunos de los rebeldes lusitanos

En el octavo capítulo hemos presenciado la crucifixión de algunos de los rebeldes lusitanos de Viriato, y entre ellos a Héctor, el hermano de Sandro. Por fin después de que la amenaza de tal suplicio hubiera sido citada en diversos capítulos, hemos podido contemplar su puesta en acción. Aunque en este capítulo la utilización de tal castigo sea acertada, es decir, se aplica a rebeldes lusitanos, las conversaciones y amenazas aparecidas en otros capítulos en la que el propio Galba y su legado Marco se veían amenazados por un final tan aciago, son totalmente erróneas. La razón es que la crucifixión solo se reservaba a esclavos, piratas y a enemigos del Estado romano (como en el caso de la revuelta servil de Espartaco o los rebeldes judíos), no a los propios ciudadanos romanos, que estaban exentos de este castigo, aunque no de la pena capital. A los ciudadanos romanos se les exiliaba y se les castigaba de una forma más honorable, pero nunca se les ajusticiaba con la crucifixión, que además, era considerada una muerte poco honorable, ya que el cuerpo del finado quedaba deformado por los castigos previos y por la propia estancia en la cruz y, las más de las veces, no recibía sepultura. Aún así, y como comentaba, Galba y Marco nada han de temer por sufrir una muerte de este tipo (sobre todo el pretor) ya que en el caso de ser considerados traidores a Roma su muerte, como ciudadanos, de seguro, se realizaría de una forma menos “dañina” y más honorable. Por desgracia, pues, otro error de documentación de la serie!!

Por otra parte, y después de muchos ruegos, Viriato se ha decidido a solicitar la unión de los diversos reyezuelos lusitanos para enfrentarse a Roma. Esto solo se ha producido una vez que el líder rebelde ha perdido a todos (y digo a todos) sus hombres tras la localización de la base de operaciones de Viriato por parte de Marco. Así, pues, para el próximo año, hemos de esperar (y eso parece adelantar el avance del capítulo noveno) que la lucha entre lusitanos y romanos cambié de registro y nivel, y podamos ver como Viriato se convierte en un auténtico rebelde y deja atrás su experiencia robinhoodiana, que era la que hasta ahora había llevado a cabo. Hemos visto, pues, a los caudillos lusitanos reunirse en consejo y decidirse por la lucha, aunque la actuación de las tropas romanas, alertadas por Alejo, ha permitido a Galba controlar la situación y apresar, también, a los régulos lusitanos.

La conspiración de Marco ha sido descubierta

Ya por último mencionar algo que me ha parecido todo un acierto, aunque no tenga que ver con el trasfondo histórico sino con la dramatización de la serie. Y este acierto no es otra cosa que la conversación que han mantenido Héctor y Galba antes de que este último se decidiese por crucificar al lusitano. Héctor se ha referido a la matanza que Galba llevó a cabo con los lusitanos desarmados (en el primer capítulo de la serie), el episodio conocido como “la perfidia de Galba”. Aunque inicialmente ha aludido al asunto como “matanza” rápidamente el mismo Héctor ha rectificado sus palabras y ha hablado de batalla, para conseguir, de esta forma, ganarse la benevolencia del pretor. Aquí podemos ver como, las más de las veces, las palabras que se utilizan en un guión (o en una conversación) pueden estar cargadas de significación, a veces incluso más de la que el mismo emisor puede llegar a ser consciente. Y nos permite hacernos una idea, también (aunque solo sea en el ámbito de la ficción) de lo difícil que es a veces estudiar el pasado a través de las fuentes escritas, de las obras de historiadores y escritores, tanto griegos como romanos, que para hacer referencia a un capítulo de la historia pueden llegar a utilizar una series de palabras de las que, a veces, desconocemos su sentido concreto o completo, o tienen más de uno, o, y esto puede ser aún peor, puedes tener un significado muy personal y propio para el mismo autor, hechos todos que puede llegar a emplazar elevados obstáculos en la carrera de fondo de un historiador actual que estudie la época antigua, que utiliza unas fuentes de información escritas, además, en un idioma que no es el suyo.

Bien, dejaremos, si un caso, esta última reflexión, espero que no demasiado pesada, para otro momento y esperaremos a ver el próximo capítulo de la serie, que, como nos ha dejado bien claro Antena3, se emitirá en el año 2011, fecha que, aunque no lo parezca, no está excesivamente lejos.

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica televisiva: Hispania, la leyenda. Capítulo séptimo. La traición.

Llegamos hoy, o más bien dicho el miércoles pasado, al penúltimo capítulo de Hispania la leyenda, que obtuvo una audiencia de 4.194.000 espectadores, y, no voy a abstenerme en mi opinión, que muestra una clara mejora en la calidad de la dramatización de la serie.

Vayamos, pues, con el resumen del capítulo. El pretor Galba ha ideado una nueva estratagema para hacerse con la cabeza de Viriato consistente en la infiltración de un antiguo gladiador llamado Leukón en las filas rebeldes con el objetivo de matar a su cabecilla. La actividad en el campamento romano no se ha limitado a esto ya que el propio Senado de Roma, alarmado de las noticias de alzamiento en Lusitania, ha enviado a un cuestor, en la persona del hermano de Marco, Cayo Octavio Cornelio, con la misión de recabar información sobre la auténtica situación del territorio.

Cayo ha iniciado las investigaciones no solo atendiendo a los informes aportados por Galba sino también interesándose por la opinión de los indígenas. A la cena mantenida con el pretor y con Alejo y Teodoro, ha sumado el testimonio de la esclava Nerea y finalmente ha realizado una visita al poblado de Caura, con el empeño de entrevistarse con su jefe. Tanta información solo podía repercutir en el descubrimiento de la política real desplegada por Galba en la provincia, y en el temor de éste de que aquélla llegase a Roma y acabara con su carrera, hecho que solo ha podido significar la muerte del cuestor, en manos de su propio hermano.

Leukón, ayudado por Héctor, ha fallado en su intentona de acabar con la vida de Viriato. Aunque la trama ha dado un giro inesperado al conocer Helena que su padre Teodoro fue quien delató a Bárbara, la hermana de Viriato, a los romanos, hecho que ha forzado a la primera a huir hacia el campamento rebelde y a Sandro a vengar la muerte de su mujer, en un retorno furioso a Caura para caer en lo que parece una nueva trampa preparada por Teodoro, Alejo y Galba.

Leukón intentará acabar con la vida de Viriato

Analicemos, ahora, algunos aspectos interesantes del capítulo. Una de las subtramas más interesantes del capítulo, y si se me permite, de la serie, ha sido la llegada del cuestor enviado por Roma para investigar la acción política de Galba. Lástima que el cargo de cuestor no tuviera esas tareas asignadas. En un principio el cuestor era un magistrado elegible relacionado con las finanzas y el control del erario público de la República, más que con la investigación política. Si un caso los gobernadores o pretores podían ayudarse en sus tareas de gobierno por un cuestor elegido por ellos mismos, pero en ningún caso era la especie de inspector que nos muestra la serie. ¡¡Otro error sumario de Hispania!! Aún así la llegada de Cayo Octavio nos ha dejado ver, sí, la realidad política tanto de Roma como de los gobernadores, que pretendían hacer carrera con unos “buenos resultados” alcanzados en la administración de sus provincias. No sé si lo llegaremos a ver, pero, como creo que ya dije, Galba fue acusado y juzgado por su actividad como pretor en Hispania tras llegar a Roma, aunque, y gracias a sus alianzas políticas, consiguió ser absuelto.

Por otra parte hemos visto al “cuestor” interesarse por la realidad de la gobernación de Galba hablando tanto con esclavos como con hispanos, algo que no nos tendríamos que creer demasiado, ya que los primeros casi no tenían valor como testigos en la ley romana, y los segundos no eran más que provincianos, muy por debajo del valor, el honor y los “contactos políticos” de un ciudadano romano como Galba. Sin embargo su “investigación” también nos ha dejado ver una escena de banquete romano, en la que hemos visto como los comensales se distribuían alrededor del triclinio formado por tres lechos encarados. La distribución no sería todo lo correcta que debería ser, ya que cada lecho era ocupado por un comensal, en cambio en la serie vemos como cinco comensales, todos ellos hombres, se distribuyen en los tres triclinios. Las mujeres están en un segundo plano, correcto para la época en la que se ambienta la serie, no olvidemos, en el siglo II a.C., aunque más tarde, en época imperial, las mujeres formarían también parte, y no poco activa, de los banquetes romanos.

Se ha vuelto a tocar el tema del comercio entre romanos y lusitanos, en el que tanto Teodoro como Alejo estaban muy interesados. No debemos olvidar, como también se dijo en algún otro lugar, que el dominio romano favoreció sobre todo, a las élites indígenas, representadas aquí por Teodoro y Alejo, que verían consolidada su posición social y económica con la llegada de Roma. De aquí que su colaboracionismo con Roma esté más que documentado en la época.

Sandro tiene sus dudas sobre la llegada de Leukón

También hemos visto, o se nos ha dejado notar, como el número de seguidores de Viriato ha ido aumentando, tanto que parece incluso que todos no caben en la cueva que les sirve de base de operaciones. Es de esperar que poco a poco su número ascienda hasta los miles de seguidores que secundaron al rebelde en su lucha contra Roma, y que podamos abandonar, alguna vez, el fondo “bosquíforo” en el que se ambienta la resistencia lusitana.

Podríamos, pues, decir, que si parece que la trama y los argumentos de la serie mejoran con el paso del tiempo, también se van acumulando más y más errores históricos en el devenir de la misma, y parece que la realidad se va alejando, un poquito más cada vez, de lo que conocemos como la historia de Viriato. Aún así, hay que tener en cuenta que la serie no está rodada como un documental para “ratas de biblioteca” y especialistas varios sino como un entretenimiento para un amplio público, y la mejora en la dramatización de la serie e incluso de las filmaciones de las escenas parece que van otorgando a Hispania la leyenda diversos méritos a tener e cuenta.

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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez

Crítica televisiva: Hispania, la leyenda. Capítulo sexto. Sacrificios.

Aunque esta semana se ha retrasado, por motivos personales, la crítica del sexto capítulo de Hispania la leyenda, tanto que casi se encabalga con la de la entrega número siete que se emitirá mañana, no por ello vamos a dejar de colgarla.

En el capítulo del miércoles pasado las cosas se han precipitado casi de un forma violenta tanto en el campamento romano como en el poblado lusitano de Caura. El pretor Galba ha caído enfermo de unas fiebres africanas, acontecimiento que ha hecho disparar todas las alarmas y todas las conspiraciones tanto entre los romanos como entre los lusitanos. La única que podrá curar a Galba es Helena, la hija de Teodoro. Por otra parte Marco, se ha de hacer cargo del campamento durante la “baja” de Galba e intentará, también, “atentar” contra la vida del gobernador, lo mismo que Claudia, su esposa, que tendrá que emplearse a fondo para detener los planes de su marido de dejarla sin testamento.

La dramática situación del campamento no impide que lleguen a él las primeras monedas romanas con el objetivo de normalizar y potenciar la actividad económica en toda la zona, una medida rechazada en pleno por el Consejo de Caura, que ve la llegada de las monedas como un primer paso para dominar el territorio. Será en este contexto en el que Alejo y Teodoro intentarán obtener unos pingües beneficios vendiendo espadas “especiales” a los romanos forjadas con una aleación mejor.

Como siempre, y una vez expuesto brevemente el argumento del capítulo, procederemos a analizar algunos aspectos del mismo.

Un tema que parecía podía ser interesante es el de la llegada de la moneda romana, aunque el planteamiento de la serie no ha sido el más histórico posible. Hemos de tener en cuenta que la moneda ya circulaba por la península Ibérica antes de la llegada de los romanos, ya que los pueblos indígenas comerciaban desde los siglos VII y VI a.C. con fenicios y griegos. Por lo que convertir a los romanos en portadores de la primera moneda a Hispania es erróneo ya que nos muestra a Roma como una cultura avanzada y a los lusitanos como un “pueblo atrasado”. Error que el propio capítulo desenmascara ya que el mismo Alejo de Urso, el prometido de Helena, nos ha comentado que comercia desde hace tiempo con los romanos, con los que también quiere hacer negocios durante este capítulo. Por tanto el slogan de que la guerra no se gana con las espadas sino con la moneda queda un poco descafeinado. Lo que sí podríamos decir a favor de la aparición de la moneda en el capítulo es que con el dominio r

omano la economía peninsular se integra plenamente en el contexto romano y mediterráneo y el intercambio monetario se generaliza, aunque, como es obvio, no llegó a equipararse nunca con el uso que actualmente hacemos de la moneda y de los billetes.

Hemos conocido, aunque muy por encima, la existencia de la medicina romana y la indígena. Una vez que Galba cae enfermo el médico de la legión se hace cargo de él, dejando su puesto más tarde a Helena, la única que conoce la enfermedad y puede remediar sus efectos. Hemos de tener en cuenta que la medicina ya existía en el siglo II a.C., ya que había sido desarrollada desde tiempos inmemoriales, aunque no se puede comparar con la actual, tan tecnificada y desarrollada. El mundo antiguo, e incluso el de épocas muy recientes, no conocían, sin embargo, de la existencia de los virus y las bacterias, ni tampoco demasiado del funcionamiento interno del cuerpo, de ahí que Helena indique que la infección solo se puede materializar a través un contacto entre la sangre y una herida abierta. Siendo así, nos tendríamos que preguntar ¿cómo y dónde se ha contagiado Galba?

Helena intenta curar al pretor Galba

Un aspecto interesante del capítulo han sido los testamentos del padre de Claudia y de Galba y del empeño que su posesión y control ha

originado. Los testamentos existían también en época romana. Fijémonos en que los dos testamentos de los que hemos oído hablar en el capítulo son de dos pater familias romanos, ninguno que afectase a los lusitanos. A través de estos testamentos escritos se dilucidaba el destino de los bienes de una persona, un hombre normalmente en estas épocas, cuando la muerte venía a trastocar su existencia. Testamentos famosos fueron, por ejemplo, el de Julio César y el de Marco Antonio en época republicana, y más tarde los redactados por los emperadores, ya que sus últimas voluntades podían señalar y señalaban al heredero de tan vasto poder, como fue el caso de Augusto, Tiberio o Calígula.

Si el tema de los testamentos es un acierto, el asunto de las espadas es un descalabro. El intento de negocio entre lusitanos y romanos con las espadas, llamadas gladius, es casi un sinsentido. Como no podía ser de otra forma Roma suministraba en época republicana a sus soldados las armas necesarias para llevarlos al campo de batalla, por lo que disponía de los talleres y arsenales necesarios para su fabricación y almacenaje, aunque en épocas anteriores fueran los mismos ciudadanos/legionarios los que tenían que aportar su armamento. Hemos de pensar que en estos momentos la actividad militar era considerada un derecho ciudadano, no una obligación, como lo es en la actualidad. Por todo esto es bastante fantasioso que los propios indígenas lleguen a fabricar espadas de cuño romano incluso con una mejor aleación, que por lo visto las hace más eficaces. Aunque este hubiera sido el caso, que no lo fue, la legión se autoabastecía de este tipo de artículos vitales para su éxito final, dependiendo más, cuando estaba en campaña, del abastecimiento de comida, necesidad que podía satisfacer gracias a los impuestos estipulados a los territorios cercanos e incluso con la caza.

Centrándonos un poco más en Viriato, he de decir que tengo aún la sensación de que la serie está robin hoodiando su figura histórica. Si nos fijamos el rebelde y los suyos viven y se ocultan en el bosque y su base de operaciones es una cueva. Si no me equivoco creo que se ha optado por un modelo antagónico a la hora de dibujar tanto a romanos como a lusitanos. Si los primeros son presentados como inmorales, sin principios e incluso malignos, Viriato parece ser un alma cándida y benevolente, a encarnación de los mejores valores de la nación hispana. Hemos de tener en cuenta que la realidad fue, seguro, menos idealista que lo que nos muestra la serie, y los grises abundarían mucho más que no los blancos y los negros, tanto en un bando como en otro. Aunque conocemos casos de pretores que más que gobernar se dedicaban a la rapiña, también conocemos casos opuestos, en los que la actividad de los gobernadores era loada incluso por los propios indígenas y más tarde hispano-romanos.

Por último nos centraremos en la acción llevada a cabo por las esclavas de Claudia, Nerea y Sabina. Esta última ha intentado escaparse del campamento con la ayuda de su compañera, un hecho bastante habitual en la época. No hemos de pensar en la vida de los esclavos como en un infierno, como a veces hemos visto en las películas, sino tan solo en una existencia privada de libertad. Los esclavos eran una propiedad más de sus amos, por lo que a éstos no beneficiaba en nada “estropearla” y maltratarla, cosa que incidiría negativamente en su propia economía. Aún así, no todos los esclavos se tomaban a bien su situación social, por lo que podían intentar escaparse. Para evitar esto se promulgaron leyes que indicaban los castigos a los que se exponía un esclavo evadido. Aún así, y como todos conocemos, en el siglo I a.C., un poco más tarde de la época en la que está ambientada la serie, se produjeron grandes revueltas de esclavos, la más conocida de ellas fue la de Espartaco, que reunió bajo sus órdenes a miles de esclavos y puso en jaque la estabilidad social, económica y política de la propia Roma.

Sabina y Nerea obligadas a matar para mantener su secreto

Es de remarcar también el final de estilo gore del capítulo en el que las dos esclavas dan a comer a los cerdos del campamento los restos del cuerpo del liberto que no solo ha evitado la huida de Nerea sino que se ha aprovechado carnalmente de ello forzando sexualmente a Sabina.

Lo dejamos aquí por hoy, de nuevo a la espera de una nueva entrega de Hispania la leyenda.
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Escrito por: Jorge Pisa Sánchez